Os velhos hábitos estavam desmoronando no mundo do cinema dos anos 1960.Os noirs cínicos e os épicos escapistas estavam desacelerando, substituídos por experimentos formais ambiciosos como os encontrados na Nouvelle Vague francesa.Em todo o mundo, o cinema japonês floresceu e a Itália se viu fazendo um nome no horror e - um tanto inexplicavelmente - ocidentais.Easy Rider e 2001: Uma Odisseia no Espaço sinalizariam uma mudança no cinema no final da década, mas ao longo da década de 1960, todos, de Kubrick a Kurosawa, Hitchcock, Bergman, Leone, Ford e Godard, estavam fazendo obras-primas.Lutando contra a ascensão da TV com temas e arte ainda não encontrados na telinha, os cineastas encontraram um público jovem acolhedor e um ambiente que lhes permitiu alguma flexibilidade com o advento da MPAA.Uma das décadas mais emocionantes da história do cinema, acompanhou a evolução do design, história, tema e produção impactando a forma de arte em todo o mundo.Aqui estão os 100 melhores filmes da década de 1960:Carnival of Souls é um filme na linha de Night of the Hunter: artisticamente ambicioso, de um diretor estreante, mas amplamente esquecido em seu lançamento inicial até sua redescoberta anos depois.Concedido, não é a obra-prima de Night of the Hunter, mas é uma pequena história arrepiante, eficaz e impressionante de ghouls, culpa e espíritos inquietos.A história segue uma mulher (Candace Hilligoss) fugindo de seu passado que é assombrada por visões de um homem pálido, lindamente filmado (e interpretado) pelo diretor Herk Harvey.À medida que ela aparentemente começa a desaparecer, a natureza de sua própria realidade é questionada.Carnival of Souls é um horror psicológico vintage com um orçamento minúsculo, e desde então tem sido citado como uma influência nas visões de sonhos febris de diretores como David Lynch.Para mim, sempre pareceu algo como um episódio de filme de The Twilight Zone, e quero dizer isso da maneira mais elogiosa que posso.Rod Serling sem dúvida teria sido um fã.—Jim VorelA ficção científica não é particularmente adequada ao olhar de Godard – tão errático e irônico, tão desinteressado pelas exigências e peculiaridades da construção do mundo é o lendário diretor francês – mas também não há visionário melhor para atacar o mind-fuck essa é essa aventura esquisita de Lemmy Caution.Alphaville é tanto um noir experimental quanto uma ficção especulativa, mergulhada nos tropos do primeiro enquanto alegremente mexe com o mundo do último, nunca justificando a hibridização de ambos, mas também nunca se importando.Como tal, a história polpuda de um agente secreto (Eddie Constantine) que é enviado para a “galáxia” de Alphaville para assassinar, entre alguns, o criador da inteligência artificial (Alpha 60) que administra todas as facetas da sociedade Alphavillian praticamente proibir toda emoção – enquanto se apaixonar pela filha do inventor (a musa de Godard, Anna Karina) – é tão pateta quanto convincente, totalmente comprometido com a premissa confusa e ciente, como a maioria dos filmes de Godard, dos saltos exigidos do audiência para acompanhar a trama sinuosa.Saturado de anacronismo e estilizado ao ponto da paródia, Alphaville não está interessado em mergulhar o espectador em um futuro distópico não tão distante quanto em desnudar a ficção científica como um gênero que exige que re-conceituemos dramaticamente tudo sobre o gênero que damos como certo: linguagem, humanidade e um futuro que pelo menos meio que entenderemos.—Dom SinacolaO boxe é um veículo acidental para a fama e a riqueza neste magistral melodrama italiano.O filme de 1960 de Luchino Visconti estrelou Alain Delon como um dos quatro meninos de fazenda do sul da Itália que se mudam para Milão com a mãe.Esses garotos do campo da cidade grande logo são atraídos e mimados pelas emoções da cidade grande – garotas, crime e brigas.O filme apresenta o boxe não apenas como representante dos perigos (e despojos) da vida urbana, mas como um teste decisivo para a força moral.Quando o irmão de Rocco, Simone, se torna um boxeador preguiçoso, sem disciplina e rigor moral, o próprio Rocco — um ser humano melhor e mais gentil — entra em cena e voa para o sucesso. — Christina NewlandSupostamente inspirado pelas experiências do diretor Robert Downey em publicidade, Putney Swope seria uma expectoração sombria e cínica da bile inerente às maquinações do capitalismo – isto é, se não fosse tão engraçado.No filme mais popular de Downey, a vida não significa nada ao lado dos ritmos da linguagem e da poesia da farsa, contando a história de uma agência escravizada por uma revisão completa dos cuidados do novo presidente do conselho democraticamente escolhido, o afro-americano Putney Swope ( Arnold Johnson, com a dublagem de Downey em sua voz cômica, acrescentando um tom extra de caos de desenho animado a um cenário já surreal).Swope purga a empresa da maioria de seus “lírios”, substituindo-os por acólitos dos Panteras Negras e Five Percenters e vários trabalhadores negros de colarinho azul para resistir à maré de corporativismo vazio que domina a América.Por sua vez, Swope assume a personalidade de vários revolucionários – às vezes vestindo roupas de NOGE, às vezes se vestindo como um imitador de Castro – navegando nas muitas tensões, violentas ou não, do pensamento anti-establishment no final dos anos 60, mas em última análise, incapaz de escapar da atração do poder capitalista.Swope é um mau líder, em outras palavras, rouba ideias de seus subordinados e geralmente adota todo comportamento hipócrita que pode, mas a genialidade da visão de Downey é que sua ideia de corrupção corrompe absolutamente, sem consideração por raça ou desigualdade.Uma espécie de recompensa pré-Zucker Brothers de palhaçada e absurdo, Putney Swope retrata pessoas debatendo-se através dessas muitas camadas de poder (e, portanto, opressão), sem saber qual a melhor forma de obter o que querem da sociedade – sem saber se isso é possível.Repleto de uma série de anúncios comerciais ofensivos, desconfortáveis ​​e super-estranhos aparentemente aproveitados da identidade horrível da América, Putney Swope tem muito a dizer, mas realmente não parece tão preocupado em ser ouvido.—Dom SinacolaÚltimo longa de animação produzido durante a vida de Walt Disney, O Livro da Selva estreou nos cinemas 10 meses após sua morte.Foi também o último clássico da Disney universalmente aclamado até A Pequena Sereia, mais de 20 anos depois.É fácil ver o porquê: este pode ser o mais alegre e puramente divertido de todos os recursos da Disney.Entre o fantástico elenco de vozes, a música inesquecível e o carisma inebriante de Baloo de Phil Harris, The Jungle Book troca o imperialismo solene das histórias originais de Rudyard Kipling por uma joie de vivre jazzística e livre.Há absolutamente uma discussão a ser feita sobre o entretenimento infantil minimizar o preço do colonialismo, mas tomado por si só, O Livro da Selva é um deleite animado e profundamente divertido. — Garrett MartinVocê pode creditar filmes como Psicose ou Peeping Tom por lançar as bases para o gênero slasher, e Black Christmas de 1974 por reunir todos os elementos no que é inegavelmente um “filme slasher”, mas o giallo de 1964 de Mario Bava está tão próximo quanto para quase merecer esse título como o primeiro slasher “verdadeiro” em quase todos os aspectos que importam.Blood and Black Lace é um filme absolutamente lindo e suntuoso que é ainda melhor de se ver na tela grande, se você puder, com toques dramáticos de cores primárias usadas para o máximo impacto.A história é uma mistura de mistério de assassinato sombriamente cômico e exploração tingida de excitação, apresentando um bando de modelos femininas perseguidas por um assaltante misterioso cujo rosto está coberto por uma máscara impenetrável com traços em branco - um assassino que parece para todos os efeitos e propósitos como o personagem da DC Comics, The Question.É uma imagem imediatamente icônica que marcou sua marca em todo um gênero italiano, e os assassinos subsequentes refletiriam muitas das características desse personagem, desde as luvas pretas e o casaco longo até a própria máscara.Embora muitos tentassem imitar seu visual, muito poucos conseguiam igualar a decadência e a sensação de excesso luxuoso (e mortal) que Bava captura em Blood and Black Lace.—Jim VorelÉ difícil classificar O Julgamento de Orson Welles;certamente não é deste mundo, em vez disso, aparentemente, o produto de algum universo paralelo silencioso.Uma mistura cínica de anti-suspense derrotista e comédia negra ambientada em uma cidade esparsa e sem amor envolta em um crepúsculo perpétuo, o filme é estrelado por Anthony Perkins (desesperadamente cômico) como Josef K, um drone de escritório que é levado a julgamento sem conhecer a natureza de seu crime.Flutuando entre a sátira e o pesadelo completo, The Trial é repleto de ideias e temas para o espectador percorrer junto com K, enquanto ele é seduzido por harpias e provocado por excêntricos em seu caminho para descobrir que não há uma resposta direta para por que ele está em julgamento , e que para um homem fazer a pergunta "Por quê?"em tal mundo é em si um crime.O termo “à frente de seu tempo” é frequentemente aplicado aos filmes de Welles, e é mais ainda quando reavaliamos seu corpo de trabalho e percebemos que há muito mais além do Cidadão Kanes em seu catálogo anterior.Há um sentimento, no entanto, de que O Julgamento parecerá para sempre à frente de seu tempo - é quase impenetrável mais de 50 anos depois.Também é absolutamente inesquecível.—Brogan MorrisMesmo que você não saiba nada sobre The Magnificent Seven, eu aposto dinheiro que você pode cantarolar sua música-tema.Fora da faixa-título de The Good, The Bad and the Ugly, o tema de The Magnificent Seven é uma das músicas-tema mais reconhecidas de um western, se não do período da música cinematográfica.É justo que um filme tão agradável e seminal tenha uma ótima trilha sonora.Desde suas origens como um remake direto do épico de Akira Kurosawa, The Seven Samurai, The Magnificent Seven evoluiu para outra coisa, uma homenagem adequada ao seu material de origem, mas também um clássico por direito próprio.A história básica é bastante simples: um grupo de pistoleiros escolhidos a dedo é contratado para proteger uma pequena cidade de uma gangue de saqueadores liderados pelo extravagante e perigoso Calvera (Eli Wallach, em seu primeiro papel no faroeste).Deixando claro que eles estão lá apenas pelo dinheiro insignificante, os mercenários, liderados por Chris Adams (Yul Brynner), crescem lentamente para admirar os camponeses da pequena vila mexicana e, finalmente, encontram um propósito moral maior em defender a cidade do bandidos.O filme altamente estiloso foi um grande impulso para as carreiras de vários membros do elenco, incluindo Wallach, Steve McQueen, Charles Bronson e James Coburn.Suas sequências de ação arrogantes, coreografia majestosa e uso do ponto de enredo mais cínico de “armas contratados defendem uma cidade” em vez do mais tradicionalmente aceitável “um homem está sozinho para defender a justiça” estabeleceu o modelo básico para o western para o resto da história. 60 em diante.—JPDe certa forma, Hiroshi Teshigahara era um proto-Cronenberg, um intelectual afiado com gosto pela polpa e a capacidade de dissecar nossas afinidades pela sujeira que colocamos ao nosso redor.Corpo e psique são sempre retratados em comunhão pulsante nos filmes de Teshigahara, e se Mulher nas dunas operava como uma visão desarmante do sacrifício da transcendência às fomes da necessidade humana (um primo temático de Calafrios de Cronenberg), então The Face of Another é sobre como o externo determina o interno – sobre nossa modularidade, maleabilidade e mundanidade.São os Dead Ringers de Teshigahara.E no modo Armageddon / Deep Impact, saiu no mesmo ano que o muito semelhante Seconds.Sem problemas, os dois filmes imperam: eles são os Dead Ringers um para o outro, ecos de ecos sobre os ecos que compõem nossa identidade.Talvez isso seja tudo que a identidade sempre foi: a memória de uma palavra que o corpo de alguém falou uma vez, que ainda fala, mas talvez nem sempre na mesma voz, e talvez a palavra não seja o que você pensou que fosse.No começo era a palavra?"Sim", diz The Face of Another, mal abafando um grito.A interpretação de Teshigahara da história de Kobo Abe tira o rosto de um homem e lhe dá um novo.Em algum momento, percebemos que o homem se foi, mas também percebemos que nunca o conhecemos.Em Phoenix, de 2014, Christian Petzold usa uma premissa semelhante para construir um melodrama.Nada desse tipo interessa a Teshigahara, no entanto.Em sua forma mais dura, seus quadros são frios, ainda horrorosos;em suas mais ternas, elegias ao existencial.O Rosto do Outro é ambos.—Chad BetzNo início de Le Doulos, de Jean-Pierre Melville, um prático cartão de intertítulo gentilmente nos permite saber que o nome do filme se refere a um estilo de chapéu ou a um informante da polícia.Uma vez que a imagem começa, temos muito de ambos, além do estilo descolado de Melville, cuja tendência a minimizar tudo em seu quadro faz com que até o uso de sombra e luz pareça distante.Le Doulos é a menor contribuição francesa para esta lista;é a adaptação de Melville de um romance de Pierre Lesou, mas ele mistura as palavras de Lesou com reviravoltas em símbolos e grampos do noir americano.Um purista pode argumentar que combinar um romance francês com sensibilidades americanas é uma rejeição implícita do modelo cinematográfico que ele e seus companheiros da Rive Gauche estabeleceram na década de 1950.Na verdade, essa síntese produz uma pasta de celulóide que é exclusivamente Melville, minimalista e lisa.—ACShoot the Piano Player de François Truffaut parece o reverso tragicômico de Le Doulos de Melville.Em vez de adaptar a literatura francesa através de uma lente americana, Truffaut faz o inverso, transformando a história criminal de David Goodis, Down There, em uma história totalmente imprevisível sobre mercantilismo, pureza artística e as maneiras como nosso passado nos alcança.Shoot the Piano Player mantém a língua firme na bochecha enquanto Truffaut oscila entre a palhaçada absurda e o desgosto.Um homem jura sua honestidade pela alma de sua mãe, e a câmera corta para a querida mãe idosa enquanto ela cai morta em sua cozinha;O protagonista de Truffaut, Charlie (Charles Aznavour), toca uma cantiga no bar onde trabalha, assombrado pela morte de sua esposa e por sua carreira em ascensão como pianista de concerto.O filme é uma brincadeira até se tornar um infortúnio.—ACIncrível pensar que, quando o primeiro filme da série Pantera Cor-de-Rosa foi feito, foi concebido como um veículo para sua estrela David Niven.Sabiamente, o diretor Blake Edwards percebeu que a verdadeira estrela do show era o desajeitado policial francês Inspetor Clouseau, encarnado pelo brilhante Peter Sellers.Então, eles apressaram a produção de outro filme (foi lançado nos Estados Unidos apenas três meses depois de The Pink Panther) e a grandeza da comédia nasceu.Sempre o esporte, Sellers literalmente se jogou no papel, caindo e tropeçando em sua investigação de assassinato e mutilando a língua inglesa a cada passo do caminho.Por mais que tentassem recapturar o fogo desta primeira sequência, nada se comparava ao espírito livre de A Shot in the Dark.—Robert HamCriado pela Mushi Productions, o estúdio por trás de clássicos como Astroboy, Kimba the White Lion e Dororo, e produzido por ninguém menos que o patriarca do anime Osamu Tezuka, As Mil e Uma Noites foi a primeira parte do que mais tarde viria a ser conhecido como o Série Animerama, uma trilogia de filmes eróticos experimentais tematicamente vinculados criados para o público adulto.Dirigido por Eiichi Yamamoto e escrito por Tezuka com a ajuda de Kazuo Fukasaka e Hiroyuki Kumai, o lançamento inicial do filme no Japão foi defendido por sua animação abstrata, filmagem experimental de ação ao vivo, enredo adulto e trilha sonora de rock psicodélico.As Mil e Uma Noites mais tarde seriam dublados e receberiam um lançamento americano, antecedendo o fenômeno do filme de animação adulto desencadeado por Fritz the Cat de Ralph Bakshi em 1972, apenas para fracassar e receber um lançamento limitado.A dublagem em inglês de As Mil e Uma Noites está perdida para os anais da história, com apenas a versão original legendada do filme como testemunho de um dos experimentos mais bizarros e intrigantes da animação japonesa.—StaffO que mais pode ser dito da Noite dos Mortos Vivos?É obviamente o filme de zumbi mais importante já feito, e extremamente influente como um filme independente também.O filme barato, mas importante, de George Romero foi um salto quântico no que a palavra “zumbi” significava na cultura pop, apesar do fato de que a palavra “zumbi” nunca é realmente pronunciada nele.Mais importante, estabeleceu todas as regras do gênero: zumbis são cadáveres reanimados;os zumbis são compelidos a comer a carne dos vivos;zumbis são irrefletidos, incansáveis ​​e imunes a ferimentos;a única maneira de matar um zumbi é destruir o cérebro.Essas regras essencialmente categorizam todos os filmes de zumbi daqui em diante – ou o filme apresenta “zumbis no estilo Romero”, ou ajusta a fórmula e é notado por como difere do padrão Romero.A Noite dos Mortos-Vivos é essencialmente o equivalente de terror do que Tolkien fez para a ideia de “corridas” de alta fantasia.Depois de O Senhor dos Anéis, tornou-se quase impossível escrever conceitos contrários de como elfos, anões ou orcs poderiam ser.Não houve um filme de zumbi feito nos últimos 48 anos que não tenha sido influenciado por Romero de alguma forma, e você mal consegue manter uma conversa sobre qualquer coisa relacionada a zumbis se você não o viu - então saia e assista, se você não assistiu.O filme ainda se mantém bem, especialmente em sua cinematografia sombria e imagens em preto e branco de braços de zumbis atravessando as janelas de uma casa de fazenda rural.Ah, e a propósito: NOTLD é de domínio público, então não se deixe enganar para comprá-lo em um DVD de má qualidade.—Jim VorelOnibaba de Kaneto Shindo vai fazer você suar e dar calafrios de uma só vez, com seu poder encontrado na mistura de atmosfera e erotismo de Shindo.É um filme sexy e perigoso, e em seus últimos momentos um filme aterrorizante e enervante, onde a moralidade fecha o círculo para punir seus protagonistas por suas fraquezas e pecados.Há um classicismo no drama de Onibaba, uma sensação de punição cósmica: os personagens erram e têm seus erros visitados pelos poderes constituídos.(Neste caso, Shindo.) Mas o que torna o filme tão assustador não é o medo da retribuição transmitida do alto, é o elemento humano, o fio comum costurado em vários filmes de terror modernos onde o verdadeiro monstro é sempre nós.Demônios, ou ídolos demoníacos, fomentaram a guerra civil que serve de pano de fundo para Onibaba?Os espíritos são culpados pela sobrevivência implacável dos dois personagens principais do filme?Não e não.Coloque uma marca de seleção ao lado de “humanidade” em resposta a ambas as perguntas e depois deseje que demônios e espíritos sejam reais, porque isso seria preferível a reconhecer a realidade.Encurralar um humano em um canto, e eles o jogarão em uma vala, o deixarão para morrer e roubarão sua merda, e o que é mais perturbador do que “melhor você do que eu” como um princípio orientador para a vida?—Andy CrumpVocê já se perguntou como seria La Dolce Vita se Federico Fellini a tivesse filmado através de uma perspectiva feminina?Maravilha não mais.I Knew Her Well, uma obra-prima desconhecida do diretor da Commedia all'italiana, Antonio Pietrangeli, é essencialmente como é a doce vida do ponto de vista de uma jovem, Adriana (interpretada em uma performance impressionante por Stefania Sandrelli, cuja entrevista em vídeo é um must-watch entre os recursos suplementares do Blu-ray).Adriana é uma camponesa que se muda para Roma em busca de fama, celebridade e todos os espólios que a notoriedade proporciona a quem consegue conquistá-la;ela não tem maiores aspirações do que aproveitar o calor cintilante do estrelato, ou pelo menos nenhuma que seja articulada explicitamente por meio do texto.Inconscientemente ou não, I Knew Her Well – um título cuja sugestão de familiaridade nos lembra que todos nós já lemos sobre uma pessoa como Stefanie em tablóides ou a vimos na televisão – vira de cabeça para baixo o olhar masculino habitado e criticado na obra-prima de Fellini .Pietrangeli mostra ao seu público o que é ser manipulado e usado, e não o que é ser o manipulador ou o usuário.Os resultados são tão chocantes quanto reveladores.—Andy CrumpO horror psicológico marcante de Roman Polanski foi o início de sua chamada “trilogia de apartamentos”, que também continha O Bebê de Rosemary e O Inquilino, mas Repulsão é o mais forte e íntimo dos três.Passamos grande parte do filme com uma mulher solteira, Carole (Catherine Deneuve), enclausurada em um apartamento em ruínas que representa a lenta erosão de sua sanidade.Carole sente nojo — repulsa — pela sociedade moderna, pela sexualidade e pela superficialidade das relações interpessoais, contando com a presença de sua irmã para sobreviver e mantê-la com os pés no chão.Mas quando sua irmã parte em uma longa viagem à Itália, os laços frágeis de Carole com a realidade rapidamente se desfazem.O enredo mínimo de Repulsion se move glacialmente, levando um bom tempo para chegar a uma conclusão de que os espectadores estarão cientes desde o início que está indo em sua direção.Mas, ao mesmo tempo, as sequências de sonhos e as cenas de alucinação são o material dos pesadelos, uma espécie de evolução do horror expressionista de O Gabinete do Dr. Caligari e outros que habilmente usam imagens e especialmente design de som para aumentar lentamente a intensidade .Não é um filme de terror para o público multiplex, mas os estudantes de cinema encontrarão algo em Repulsion que ficará com eles por muito tempo. — Jim VorelA oportunidade assume diferentes formas, dependendo de quem você pergunta sobre ela.Para alguns, oportunidade significa garantir seu presente criando estabilidade financeira para si mesmo, mais ou menos como é recomendado que você coloque sua própria máscara de oxigênio antes de ajudar outros passageiros.Para outros, oportunidade significa garantir o futuro, novamente para si mesmo ou para o futuro em sua forma mais pura: a educação da próxima geração.Em A Raisin in the Sun, a família Younger – Walter Lee (Sidney Poitier), Ruth (Ruby Dee), Lena (Claudia McNeil), Beneatha (Diana Sands) e Travis (Stephen Perry) – agonizam sobre a melhor forma de gastar os US $ 10.000 cheque de seguro os deixou após a morte do marido de Lena, pai de Walter Lee.Walter Lee quer afundá-lo em uma loja de bebidas por causa da renda, pensando que o investimento ajudaria a estabilizar as finanças da família.Lena quer comprar uma casa de acordo com o sonho que ela e o marido tiveram juntos, mas nunca alcançaram.Ruth fica do lado de Lena, enquanto Beneatha deseja usar o dinheiro para pagar as mensalidades da faculdade de medicina.O vaivém sobre o destino do cheque começa logo no início do filme e o sustenta por toda a sua duração.Mas A Raisin in the Sun não é apenas um filme sobre dólares e a melhor forma de gastá-los em uma família de cinco pessoas, e certamente não é sobre avareza ou ganância.É sobre, sim, oportunidade, e também sobre elaborar um retrato da vida negra americana em sua época, sobre a luta inata de simplesmente ser uma pessoa não branca em um país criado para não servir aos seus interesses.Petrie adaptou seu filme da peça de teatro de mesmo nome de Lorraine Hansberry, e segue de perto o projeto original dela, sabendo que suas palavras, seu intelecto e seu elenco podem transmitir as mensagens do filme.Ele dirige não com cautela, mas com respeito, nunca esquecendo que é um cineasta, mas nunca permitindo que seu ego anule sua visão da América vista através de lentes negras americanas.Ele tem o crédito do diretor, mas os verdadeiros contadores de histórias aqui são seus atores.—Andy CrumpDiretor: Ken Annakin, Darryl F. Zanuck, Andrew Marton, Bernhard Wicki, Gerd OswaldO mais impressionante dos épicos de recreação da Segunda Guerra Mundial repletos de estrelas e multinacionais que saíram de Hollywood nos anos 60 e 70, The Longest Day - um produto colossal da colaboração entre nada menos que cinco cineastas, abordando o Dia D dos britânicos, Lados francês, alemão e americano - dá uma visão abrangente, porém completa, do que aconteceu na Normandia em 6 de junho de 1944, por terra, mar e ar.Assim como a Operação Overlord foi uma exibição massiva de poder militar, The Longest Day é um espetáculo da riqueza e poder do sistema de estúdio dos anos 60, e as reservas que Hollywood manteve para o filme de guerra quando o gênero estava no auge de sua popularidade. .Para a parte francófona do filme, há um mini-suspense de espionagem e um estrondoso ataque do Comando a uma cidade litorânea.Para a porção de língua inglesa, as maiores estrelas que o dinheiro poderia comprar, incluindo John Wayne, Henry Fonda, Richard Burton e Robert Mitchum, e uma invasão em larga escala das praias da Normandia em escopo incomparável mesmo pela célebre cena de abertura de O Resgate do Soldado Ryan.E para os segmentos de língua alemã, um retrato surpreendentemente imparcial (e às vezes até alegre) de oficiais mal preparados, Luftwaffe fora de sua profundidade e os soldados comuns que a partir daquele ponto estariam para sempre em retirada.—Brogan MorrisLembro-me de ver minha primeira apresentação de Edith Scob em 2012, quando o Holy Motors de Leos Carax chegou às costas dos EUA e derreteu meu cérebro de ervilha por causa de seu comentário surreal de metatexto.Também me lembro de Scob vestindo uma máscara de espuma marinha, tão vazia e sem expressão quanto a de Michael Myers, no final do filme, e pensando comigo mesmo: “Puxa, isso seria como gangbusters em um filme de terror”.Que idiota eu fui: na época da minha exibição em Holy Motors, Scob já havia aparecido naquele filme, Olhos Sem Rosto, de Georges Franju, um filme gelado, poético e ainda assim feito com amor sobre uma mulher e seu cientista louco / serial killer pai, que só quer sequestrar moças que compartilham suas características faciais na esperança de enxertar sua pele em sua própria caneca desfigurada.(Esse é o material do pai do ano.) Mas é claro que nada vai bem na narrativa do filme, e a coisa toda termina em lágrimas e um frenesi de sede de sangue canina.Eyes Without a Face é tocado no registro certo de enervante, perverso e íntimo como os contos de terror polpudos mais duradouros tendem a ser;se Franju reivindicar a maior parte do crédito por isso, pelo menos guarde uma parte para Scob, cujos olhos são o melhor efeito especial no repertório do filme.A dela é uma performance que vem direto da alma.—Andy Crump“O que ele vai descobrir lá, doutor?”Isso é o que o cientista símio conservador Dr. Zaius (Maurice Evans) diz ao compassivo “veterinário” símio Dr. Zira (Kim Hunter) no final do Planeta dos Macacos original, quando o astronauta misantropo George Taylor (Charlton Heston) parte para o Zona Proibida deste planeta de pernas para o ar - onde macacos inteligentes e falantes são a espécie dominante e os humanos são bestas idiotas - para descobrir o que realmente aconteceu com sua espécie.A menos que você tenha vivido sob uma rocha nos últimos 50 anos, você sabe exatamente o que ele vai encontrar.Mas por que Zaius chama essa revelação literalmente devastadora de destino de Taylor, e não de seu passado, o que é tecnicamente o caso?A resposta para isso está no papel de Zaius na sociedade dos macacos.Ao contrário de todos os outros macacos, Zaius conhece a história da dolorosa e complexa relação entre macacos e humanos.Ele sabe como a atração natural dos humanos pela guerra, perseguição, preconceito e crueldade selou seu destino final e está (talvez em vão) tentando impedir que esse “vírus intelectual” se espalhe para seus amados macacos.Ele sabe que uma vez que um humano inteligente como Taylor tenha a chance de reiniciar mais uma tentativa de civilização para sua espécie, a mesma feiúra e destruição que vem com sua natureza interior certamente atormentará seus descendentes.Portanto, ele sabe que Taylor encontrará seu passado e seu futuro naquela praia.Hoje, a franquia Planeta dos Macacos ainda está forte.O apelo atemporal desses filmes decorre do fato de que eles exploram temas de alto conceito, como a crueldade e a fragilidade inerentes à natureza humana, com uma clareza brutal, contada com uma refrescante falta de condescendência e mãos filosóficas.Ao apresentar um mundo de fábulas onde o que agora consideramos animais domina a humanidade, eles refletem nossa feiúra, arrogância e, talvez, nossa chance de redenção.Cada parcela e reiteração da franquia contém um punhado de personagens que lutam para ir contra seus desejos mais básicos e se esforçam para trazer compaixão e paz à sua espécie.Sim, esses filmes nunca se esquecem de cultivar o valor da esperança para um mundo pacífico, mas nunca são ingênuos o suficiente para tentar vender ao público a ideia de que é uma tarefa fácil - como evidenciado pelos finais infelizmente, mas apropriadamente sombrios encontrados em a maioria deles.Aquele que começou tudo ainda é o epítome da experiência do Planeta dos Macacos.Co-escrito pelo co-criador de Twilight Zone, Rod Serling, a estrutura de fábula de ficção científica da adaptação do romance se encaixa tão impecavelmente nas sensibilidades de Serling que o Planeta dos Macacos original pode ser o mais próximo que chegaremos de uma história única. Twilight Zone de longa duração, criando uma espécie de sinergia equilibrada entre a pura emoção do gênero e o conto de moralidade sensata.—Oktay Ege KozakDiretor: King Hu (com Sammo Hung)Com uma protagonista feminina (Cheng Pei-pei) à frente de um exército de mulheres guerreiras e o selo dos Irmãos Shaw no início da carreira da produtora, Come Drink With Me não apenas quebrou o molde wuxia, como praticamente o criou.Sem o filme, não haveria Kill Bill (há rumores de que Quentin Tarantino teria um remake em sua lista);de fato, sem o escasso sucesso deste filme nos EUA, mais tarde reforçado pelo compromisso dos irmãos Weinstein de trazer clássicos das artes marciais para o público ocidental inclinado ao culto, existem poucos outros filmes desse tipo que jamais teriam sido adotados fora da China e Hong Kong.Dolorosamente terno em momentos, com cenas de luta que mais se assemelham a danças sofisticadas e coreografadas do que brigas realistas, a influência de Come Drink With Me não pode ser exagerada.Mesmo que você nunca tenha visto, quando pensa em filme de artes marciais, pensa em algo parecido com isso.—DSNos anos 50 e 60, Mel Brooks era apenas um comediante, embora particularmente brilhante.Ele escreveu para programas de TV como Your Show of Shows e Get Smart, e teve uma dupla de comédia de sucesso com Carl Reiner que gerou três discos em dois anos.Mas ao escrever e dirigir The Producers – a história agora icônica de um produtor da Broadway conhecido por seus fracassos (Zero Mostel) e um contador manso (Gene Wilder) que se unem para roubar investidores ao afundar deliberadamente um musical sobre Adolf Hitler – Mel Brooks pode ter se tornado o diretor-comediante protótipo como entendemos atualmente a frase (para filmes falados, pelo menos).Os Produtores está tão engraçado como sempre, embora divertidamente manso em comparação com o alvoroço que causou e os produtores que se recusaram a tocá-lo.Também é completamente diferente das meta-gag-fests de Young Frankenstein e Blazing Saddles.Todos os direitos reservados